Stefano Oppo, fotografo stock, sarà uno degli otto magnifici relatori di quest’edizione.
Se ancora non conosci il mondo della fotografia stock, non puoi assolutamente perderti la nostra chiacchierata 😉
Stefano Oppo
FP: Ciao Stefano, innanzitutto grazie per l’intervista. Raccontaci chi sei!
Sono Stefano Oppo e sono un fotografo e videomaker professionista da oltre trent’anni 🙂
FP: Quando e come hai iniziato ad essere un fotografo stock? Ora lo sei a tempo pieno?
Ho iniziato nel 1995: l’agenzia fotografica di Milano per cui lavoravo distribuiva tramite cataloghi cartacei le immagini delle grosse agenzie di stock americane, tedesche e olandesi.
Quando decise di mettersi in proprio e di creare una collezione tutta Italiana, mi fece un contratto per realizzare 50 produzioni. Probabilmente sono stato il primo fotografo a realizzare produzioni di stock a Milano. Da lì poi sono stato contattato da agenzie con cui lavoro tutt’ora.
Fotografia di Stefano Oppo
FP: Come ti sei approcciato alla fotografia stock?
Inizialmente non è stato facile: dovevo fare tutto da solo, cercare truccatori promettenti che non facessero pagare troppo, dovevo trovare una stylist che portasse vestiti ma anche accessori e oggetti di scena e, soprattutto, dovevo trovare modelli a basso costo, in un periodo in cui i modelli a Milano costavano davvero tanto.
FP: Quali sono i criteri con cui un’agenzia stock seleziona i propri fotografi?
Non è l’agenzia che sceglie i fotografi di stock, ma è il fotografo che decide se fare stock. È un mestiere che richiede molta costanza e molto impegno: conosco fotografi professionisti che sono stati contattati da grosse agenzie ma poi non hanno continuato, altri invece che non sono neanche fotografi hanno presentato i loro lavori ad un’agenzia e sono stati ingaggiati.
Fotografia di Stefano Oppo
FP: Che consigli daresti a quelli che vogliono far diventare la fotografia stock una fonte di guadagno a tempo pieno?
Non scoraggiarsi se gli inizi sono poco promettenti: la fotografia di stock funziona come un volano, deve prendere velocità prima di decollare. Inoltre iniziare da soli è molto difficile perché i contenuti che vengono richiesti dal mercato sono difficili da individuare senza una esperienza specifica.
Fotografia di Stefano Oppo
FP:Come vedi il rapporto tra fotografia e post-produzione? Ti occupi personalmente della post dei tuoi scatti?
È un rapporto strettissimo: la post ha la stessa importanza che aveva una volta il laboratorio di sviluppo quando bisognava avere un amico sviluppatore per ottenere i risultati desiderati! Oggi bisogna saper utilizzare sia Lightrooom che Photoshop. Personalmente sono molto esigente e mi piace controllare tutte le fasi, dallo scatto alla post produzione. Se non fossi in grado di farmi la post da solo, allora dovrei trovare qualcuno coi miei stessi gusti estetici.
FP: Quali sono i soggetti che preferisci fotografare? E quelli più venduti tra le tue fotografie?
Mi piace molto fotografare le persone, infatti quelli sono anche gli scatti più venduti. Questo, però, non vuol dire necessariamente che siano quelle che fanno guadagnare di più…
Fotografia di Stefano Oppo
FP:Il 23 Marzo sarai al Photography PRO Day. Su cosa sarà impostato il tuo speech? Sei emozionato?
Non tutti conoscono il mercato della fotografia di stock, quindi parlerò di come si diventa fotografi di stock e di cosa bisogna fare per avere successo in quel campo, ancora oggi poco conosciuto 🙂
FP: C’è qualcosa che non ti ho chiesto e vorresti dirmi?
La fotografia di stock è un mercato che, con poco impegno, permette di avere un introito mensile. Quanto grande dipende da noi, tutto sta ad iniziare 😉
FP: Allora ci vediamo il 23 Marzo, grazie Stefano!
La rivoluzione della fotografia secondo Luca Pianigiani
Luca Pianigiani è un giornalista molto impegnato che, tra un lavoro e l’altro, mi ha sopportata e ha risposto a qualche mia domanda in vista del Photography PRO Day 😉
Luca, infatti, sarà uno dei relatori dell’edizione 2019 e il suo intervento si focalizzerà su com’è oggi la fotografia in un mondo quasi completamente digitale 🙂
Luca Pianigiani
FP: Raccontati, chi sei?
Sono nato con la fotografia (praticamente mi sono sviluppato con il D-76… scusate, roba antica, forse serve cercarla su Google) ma mi sono convinto presto (e mi davano del pazzo) che la fotografia sarebbe “entrata” dentro un computer.
Visto che non ci capivo nulla, ho studiato tanto e quindi hanno iniziato ad indicarmi come “esperto”, una cosa facile quando si è tra i pochi a parlare di qualcosa che nessuno conosce. Poi sono passati i decenni, continuano a darmi del pazzo, anche se per altri motivi (ma ci sono abituato 😉 )
FP: Di cosa si occupa Jumper e com’è nato il blog? Qual è il tuo ruolo in questa realtà?
Di fatto, non è mai stato un “blog”. È semplicemente una delle emanazioni della prima rivista, nata nel 1995, che parlava appunto di fotografia “nuova”.
La rivista si chiamava Jump, poi le evoluzioni hanno portato verso una pubblicazione digitale, e poi verso un sito, da qui Jumper.
Da sempre parliamo ai fotografi professionisti, ma non di macchine fotografiche: di innovazione e di modi per poter vivere di fotografia, che significa marketing, capacità di proporsi e trend che generano guadagno vero.
FP: Cosa ne pensi del mestiere di fotografo?
Che è quasi come parlare di astronauti. Tutti vivono sulla Luna, ma pochi hanno la possibilità di andarci sul serio.
In un mondo in cui ci sono miliardi di “fotografi” armati di cellulari e di canali per distribuire le loro immagini, fotografo è chi di mestiere vende fotografie ed è difficile se non si propone qualcosa di veramente forte e vendibile. Fare belle foto non basta, non è mai bastato, ma alcuni possono emergere se mettono a fuoco le priorità della committenza, ovvero di chi compra le fotografie e specialmente perché le compra.
FP: Quali sono, secondo te, le più grandi difficoltà da affrontare per affermarsi come fotografo?
Come ho detto prima, troppe persone che fanno fotografie (che sono meno brutte rispetto alle brutte foto che si facevano in passato: pensate, anni fa le foto “brutte” erano sfuocate, mal esposte, con le teste tagliate; ora, semmai, sono banali, ma tecnicamente corrette). Ma il vero problema è che molti che vogliono fare i fotografi amano un personaggio del passato: oggi il fotografo è un esperto di comunicazione, di multimedialità, di strategie di marketing, di linguaggi che, incidentalmente, usa una fotocamera che poi è anche una videocamera e poi spesso comunica con uno smartphone e con un computer.
FP: Storytelling nella fotografia: secondo te quanto è rilevante e necessario?
La narrazione è sempre più fondamentale per creare un messaggio. Le persone non si fermano più che una frazione di secondo, poi “scrollano via”. Se non c’è una narrazione, che si ha voglia di guardare, leggere, ascoltare, si rischia di non essere “seguiti”.
FP: Com’è cambiato il mestiere con l’avvento dell’era digitale?
Nulla se parliamo di tecnica (cambia solo la tecnica, la parte più banale della storia); tutto se, invece, si pensa al numero di immagini che ci bombardano ogni minuto della nostra vita e l’eccezionale capacità distributiva dei contenuti visuali.
FP: I social media hanno influenzato la percezione che ha la società della fotografia?
Solo un pochino 😛
FP: Se dovessi dare tre consigli di marketing ad un fotografo, cosa gli diresti?
☐ Pensate a delle idee e dei messaggi e non solo a delle “fotografie”. In pratica: cosa ho da raccontare e come faccio a spiegarlo?
☐ Domandarsi: chi è interessato a comprare questo progetto, chi potrebbe trarne vantaggio e quindi a chi potrei proporlo?
☐ Dove e come verranno fruite le mie immagini: spesso proporre un contenitore aiuta a trovarne una applicazione. Le foto sfuse richiedono un contenitore, altrimenti rischiano di non avere un valore.
Un libro? Un sito? Una storia (anche su Instagram), un documentario? Lavorate su un progetto che abbia un contenitore, sarà più facile vendere il contenuto.
FP: Scrivi di fotografia su Jumper.it: ti impegni anche a fotografare? Com’è nata la tua passione per la fotografia?
Ho iniziato a fotografare da bambino: mio padre era appassionato, io ho sognato di usare la sua Nikon FtnPhotomic e poi l’ho avuta, ma nel frattempo ero passato al digitale e persino all’iPhone 😉
Fotografo, meno che in passato, ma il mio mestiere è lavorare con la fotografia più dal punto di vista della regia del contenuto che non del click, che quasi sempre lascio fare ad altri che lavorano con e insieme a me (spesso molto giovani, sono docente universitario e ho tanti ragazzi e ragazze bravissimi che hanno bisogno di mettersi in gioco su progetti importanti).
FP: Il 23 Marzo sarai al Photography PRO Day. Di cosa parlerai?
Di come pensare alla fotografia in modo diverso: non meno creativa, non meno artistica, ma funzionale ai nuovi media, agli schermi, alla comunicazione di oggi.
Chi dice che siamo in un momento di pessima cultura sbaglia, oppure è invecchiato. La cultura visiva è al massimo della sua forza dalla nascita dell’uomo; il difficile forse è intercettare contenuti di altissima qualità perché la vastità di offerta è enorme. Parlo di come poter “essere percepiti” e cosa proporre per avere in cambio qualcosa di più di un… like.
FP: C’è qualcosa che non ti ho chiesto e vorresti dirmi di te?
Cosa farò domani… me lo chiedono tutti, visto che il mio lavoro è pensare e spiegare il domani. Il problema è che me lo chiederai domani e sarà già diventato oggi, quindi il futuro sarò diventato presente…. È una corsa che non ha fine, quindi la cosa migliore è trasformare la vita in una ricerca costante, non in un traguardo da raggiungere.
FP: Grazie per l’intervista, non vediamo l’ora di ascoltare il tuo intervento 😎
Daria Bonera: un’agente di rappresentanza al Photography PRO Day
Il Photography PRO Day 2019 è ormai alle porte e i relatori sono stati svelati 😉
Daria Bonera, agente di rappresentanza e photoeditor per Touring Magazine, è una dei relatori più attesi di questa edizione.
Abbiamo fatto due chiacchiere e ho potuto conoscere più di lei e del suo mestiere in vista del 23 Marzo 😉
Daria Bonera
FP: Parlaci di te, raccontati!
Fin da piccola sono sempre stata affascinata dalla fotografia, grazie a mia mamma Grazia Ippolito, fotografa ritrattista.
Ricordo che l’aiutavo a scegliere le foto da proporre alle riviste e spesso l’accompagnavo durante la realizzazione degli scatti.
FP: Come e quando hai deciso di diventare un’agente di rappresentanza?
La mia formazione è avvenuta durante i quattro anni in cui ho lavorato per l’Agenzia foto-giornalistica Grazia Neri a New York, oltre che per la fotografa documentarista Donna Ferrato. Solo nel 2008 ho maturato la decisione di aprire la mia agenzia.
Scoprire e investire sui nuovi talenti e valorizzare il lavoro di fotografi già affermati 🙂
FP: Quali profili selezioni per la tua agenzia e quali sono i criteri con cui li scegli?
Ultimamente mi sono focalizzata sulla ricerca di fotografi di Interior, settore che mi interessa molto e con il quale ci sono ancora tante potenzialità: il design è un settore in costante crescita.
Milano e i dintorni (Brianza inclusa) sono luoghi strategici, dove poter concretizzare nuove opportunità lavorative.
Seleziono nuovi fotografi, in particolare durante le portfolio review (Les Rencontres D’Arles e Eyes in Progress, per citarne alcuni) e ricevo molte candidature di fotografi da tutto il mondo.
Per quanto riguarda i criteri, anche se sono all’inizio della loro carriera, i fotografi devono avere almeno un progetto che sia efficace, coerente, originale e onesto.
In generale, non mi piace quando si vuol fare credere di sapere fare tutto: meglio specializzarsi e concentrarsi su un tipo di fotografia.
FP: Che consigli daresti a chi vorrebbe farsi selezionare da un’agenzia?
Il consiglio che mi sento di dare è quello di portare anche solo un progetto, che sia però sorprendente, immediato e consistente.
FP: Quanto pensi sia indispensabile costruirsi un buon portfolio?
Da agente, quali sono i consigli assolutamente utili da condividere per un buon portfolio?
Oggi è più facile con il book digitale: io consiglio di crearne ogni volta uno diverso per tipologia di cliente.
Per ogni sezione o storia, deve esserci il giusto equilibrio tra selezione, scelta e sequenza delle foto. Deve risultare coerente, logico e omogeneo e deve riuscire a mettere in evidenza un punto di vista.
FP: Sei anche una photoeditor per Touring Magazine. Come descriveresti il mestiere di photoeditor?
Idealmente è una professione molto creativa, emozionante e stimolante. Cercare o commissionare reportage di viaggi con un taglio documentaristico mi è sempre piaciuto.
Purtroppo la crisi editoriale e della carta stampata ha portato ad avere budget ridotti e numeri sempre più bassi. Oggi produrre diventa l’eccezione, anche se continuo a crederci e a commissionare.
Io, solitamente, cerco fotografi che siano già nel luogo da fotografare e che possano farlo entro due giorni.
FP: Che consigli daresti a chi vuole diventare photoeditor oggi?
Deve avere una buona cultura giornalistica e un’ottima conoscenza della fotografia e della storia della fotografia.
Coraggio, talento, intuizione, onestà, etica, sensibilità, determinazione e naturalmente passione: questi sono i particolari tipici in una professione come quella del photoeditor.
FP: Il 23 Marzo sarai tra i relatori del Photography PRO Day. Cosa condividerai con noi?
Sono molto contenta ed emozionata di partecipare al Photography PRO Day. Grazie per avermi invitata! 🙂
Vi presenterò la mia agenzia, che quest’anno compie 10 anni, e vi mostrerò alcuni lavori dei miei fotografi e registi e alcune campagne realizzate.
FP: C’è qualcosa che non ti ho chiesto e vorresti dirmi di te?
Che sono ottimista, che nonostante abbia iniziato a fare questo mestiere quando le grandi agenzie fotografiche chiudevano e le agenzie di pubblicità si ridimensionavano, continuo a crederci! 😉
FP: Grazie per quest’intervista, ci vediamo il 23 Marzo!
Emilio Tini e un modo nuovo di produrre Fotografia di Moda
Quando ho iniziato la mia esperienza in FotografiaProfessionale, sentivo spesso parlare in ufficio di Emilio Tini per la sua fotografia nuova e fresca.
Emilio esprime se stesso attraverso i suoi scatti e descrive, a modo suo, ciò che gli si para dinnanzi alla macchina fotografica. La sua fotografia, specialmente con il suo nuovo progetto fotografico Fantastiche Visioni, è una ricerca dei volti che fanno parte di un’Italia in divenire, è una ricerca di ciò che va oltre la superficialità e lo scontato.
Ho avuto il piacere di intervistarlo per te e di conoscere più da vicino la sua fotografia 🙂
Emilio Tini
FP: Come nasce Emilio Tini fotografo? Raccontaci la tua storia.
ET: Sono cresciuto in un piccolo borgo medievale in Umbria dove la gente, se non fai le cose che fanno tutti, si spaventa e ti giudica. I miei, sin da bambino, mi hanno fatto crescere in maniera non standardizzata: mi proponevano un approccio personale alla vita, stimolando il protagonismo e la creatività, attraverso la costruzione di giochi a partire dagli oggetti più comuni come foglie, posate, buste e figurine di carta. Mi hanno fatto conoscere da giovanissimo l’arte in tutte le sue sfumature.
Da bambino mi sentivo un po’ alieno tra i miei coetanei. In realtà questo approccio mi ha permesso di avere un punto di vista originale, non scontato che poi mi è servito nella mia professione.
Ho iniziato in questa maniera a esercitare il mio sguardo, il pensiero e il gusto estetico e a soddisfare l’insaziabile fame per le immagini. Poi sono arrivati gli studi dove, oltre a formarmi delle basi solide ho imparato la disciplina, il sacrificio ma anche ad avere lo sguardo e la testa aperti a 360 gradi sul mondo. A diciotto anni ho avuto il privilegio di entrare all’ISIA di Urbino e ho scoperto la fotografia, in particolare Avedon e Bresson, e ne sono rimasto folgorato. Ho subito sposato quella chirurgia estetica di Avedon, quei bianchi e neri netti e amato la poesia e l’ironia, il modo di raccontare storie di Bresson. Ho cominciato allora, all’età di venti anni, a scattare.
Le immagini erano una declinazione di quello che vedevo: la traccia di questi due maestri filtrata attraverso la mia sensibilità. Avevo già le idee chiare di quello che volevo, di quello che doveva essere il mio stile: pulizia, rigore, sensualità, ironia.
Giuliano Fujiwara, foto di Emilio Tini (2013)
Negli anni successivi mi trasferii da Urbino a Milano per un master in Fotografia e per pagarmi le spese facevo da assistente a vari fotografi internazionali e nel frattempo scattavo i primi test per le agenzie di modelle. Le idee erano chiare: zero immagini noiose o già viste. L’ispirazione arrivava sempre dai miei maestri fotografici e dal mio vissuto.
Dopo due anni di lavoro da assistente con un book personale sotto braccio, provavo a bussare a tante porte ma nessuno mi apriva e mi liquidavano dicendo che le mie immagini non funzionavano e spesso aggiungevano che con quello stile strano non sarei mai andato da nessuna parte.
I sacrifici e la perseveranza per inserirmi in questo mondo erano vani. Tanto impegno e pochi risultati, sembrava che se non conoscevi gente influente non andavi ai cocktail party, alle serate di gala, in discoteca… Non potevi entrare in questo meccanismo. Mi sentivo demotivato e scoraggiato. Stavo lasciando Milano per tornare in Umbria, ero deciso a cambiare vita.
Poi Piero Piazzi, noto talent scout e direttore di Women Model Management, vedendo dei test che avevo fatto, mi fissò un appuntamento con la casa editrice Condè Nast. Andai al colloquio pensando all’ennesimo buco nell’acqua, invece furono così entusiasti del mio portfolio, fuori dal comune, che mi proposero sedici pagine per Vogue Gioiello con le top del momento ed i cappelli di Philip Treacy.
Da lì è cominciato tutto: le mie storie forti e creative ricche di staticità dinamica e ironia hanno iniziato a uscire in un circuito internazionale. Un agente mi ha contattato per rappresentarmi a livello internazionale ed è iniziata l’ascesa verso una carriera costellata di lavori importanti, realizzata senza raccomandazioni o giri disonesti. Questo mi rende fiero di me stesso e mi permette di guardarmi allo specchio, con soddisfazione, ogni mattina.
L’Officiel Italia, foto di Emilio Tini (2015)
FP: Quali sono, se ci sono, i tuoi riferimenti stilistici, anche al di fuori della fotografia? Cosa ti emoziona e cosa ti appassiona?
ET: Sono una persona che ha solo memoria visiva: le immagini restano per sempre, mentre parole, numeri, concetti evaporano. Per questo il lavoro che faccio mi viene spontaneo come respirare!
Per quanto riguarda la fotografia sicuramente Avedon e Bresson; dei contemporanei, nel settore moda, mi affascinano molto Mario Sorrenti per la carnalità e l’ironia delle immagini e Craig McDean per la tecnica.
Fuori dall’ambito fotografico sono un divoratore di immagini.
Ci sono molti autori che mi hanno influenzato: per esempio nel cinema Antonioni, Godard, Polasky, Bellocchio, Bertolucci e Ferreri, mentre nella pittura Hopper, Shiele, Donghi… L’elenco è molto lungo: in ognuno di loro ho trovato dei miei frammenti sensibili e mi ci sono confrontato. Da lì li ho assimilati per ridarli poi al mondo attraverso le mie immagini.
FP: Sei un fotografo di moda e un ritrattista: come ti sei avvicinato al mondo della moda? Qual è la tua visione della fotografia fashion?
ET: È stato tutto molto causale, ma allo stesso tempo è come se le cose dovessero avere questo corso: sono sempre stato attratto dalle immagini ma in fotografia ho cominciato con il reportage. Un’esperienza tosta e formativa perché scattavo in pellicola, con una gloriosa Rolley Flex 6×6 bi-ottica: poco spazio per errori e molta concentrazione per cercare l’attimo perfetto.
Quando ho cominciato a vivere da solo e facevo l’assistente, mi sono affacciato al mondo della moda quasi per esigenza di sostentamento: fare test per modelle, lookbook e piccoli cataloghi erano il mezzo per vivere, da lì è cominciato tutto.
La mia visione della fotografia di moda è molto personale, credo che si abbia una grande possibilità, fortuna e responsabilità nel poter parlare ad un vasto pubblico ed emozionarlo. Penso che, come diceva Franz Kafka per i libri “Se il libro che stiamo leggendo non ci sveglia con un pugno in testa, perché mai lo leggiamo?”.
Ecco, per me vale lo stesso con la realizzazione delle fotografie, specialmente quelle di moda.
Foto di Emilio Tini
FP: Hai uno stile molto personale, che ci ha colpito immediatamente. Ti ha aiutato a trovare spazio o è stato un ostacolo? Come reagisce il mondo dell’editoria fashion alle proposte creative?
ET: Il mio stile è stato sempre una “croce e delizia”: sicuramente è poco commerciale, forte e spigoloso, spesso è stato un ostacolo ma è anche quello che mi ha permesso 15 anni fa di emergere dalla massa di fotografi che operavano nel settore. In Italia è ancora molto dura proporre cose nuove, non viste, fuori dai canoni soliti; all’estero c’è più apertura e rispetto per i creativi e i comunicatori. Spesso in questo paese si lavora a “briglie tirate” con tante paure e limitazioni creative.
FP: Come nasce un tuo servizio fotografico? Sei tu che fai le proposte al cliente (o alla rivista) o ricevi input precisi?
ET: È un discorso che viene declinato nello specifico a seconda del cliente e delle produzioni. Ogni esperienza professionale è sempre diversa. Sono un professionista e mi metto a disposizione del brand e della mission, ma senza rinunciare al mio punto di vista. Spesso il mio sguardo trasversale è quello che viene richiesto ed è per quello che mi scelgono: un buon equilibrio, pulizia, raffinatezza ed originalità.
Foto di Emilio Tini per Gianfranco Ferrè, 2011
FP: Che rapporto hai con la post-produzione? Ti occupi dei tuoi scatti o hai collaboratori che lo fanno?
ET:Tutto quello che vedete in una mia immagine è fatto dal vivo sul set: luci, ombre, scenografie, trucchi, esplosioni di glitter e colate di liquidi. Mi piace molto l’artigianalità di questo lavoro, sono un fotografo vecchia scuola ed un purista dell’immagine. Uso la post produzione per pulire la pelle, perfezionare piccoli dettagli, mai per stravolgere l’immagine. Seguo tutto il processo degli scatti: dall’ideazione alle prove di stampa, sono molto preciso e meticoloso ma ho un valido team di professionisti che si occupa della mia post-produzione.
FP: Cosa consiglieresti a chi voglia entrare oggi in questo mondo? Qual è la “ricetta del successo” di Emilio Tini?
ET: Il panorama è molto cambiato da quando ho cominciato io 15 anni fa. La fotografia digitale dà facile accesso a tutti: i social come Instagram e Facebook sono un veicolo di diffusione e condivisione immediato. Sono oramai tutti fotografi.
Credo che questi nuovi aspetti creino e creeranno sempre più confusione tra fotografia amatoriale improvvisata e professionale e resisteranno solo coloro che sono ben inseriti nel sistema. I budget al ribasso danno accesso ancora di più a professionisti improvvisati e discutibili.
Credo che, soprattutto in Italia, non ci sia una profonda cultura fotografica. La maggior parte delle persone valuta il lavoro in maniera superficiale e con poca professionalità. Non si conosce la storia della fotografia e il suo passato e quindi non si apprezza il presente in maniera oculata, ostacolando lo sviluppo di prodotti e stili freschi e innovativi. C’è molta paura di osare, di creare cose nuove e mai viste.
Ricette per il successo pre-confezionate non ce ne sono: consiglierei di conoscersi bene, indagare quello che si vuole trasmettere, credere in se stessi e nel proprio “sguardo sensibile” senza tradirsi mai: soprattutto adesso è importante avere una voce propria e particolare rispetto alla massa.
Tenacia, costanza, sacrifici ed anche un pizzico di fortuna sono gli ingredienti che funzionano!
Foto di Emilio Tini per The Room Magazine, 2015
FP: Quanto conta l’attrezzatura? Ti senti più tecnico o istintivo?
ET: Sono cresciuto dando spazio sempre più alla mia parte istintiva, alle emozioni, al fiuto per le cose o, nel lavoro, per l’immagine giusta. La vedo come scriveva Bresson:“Fotografare è porre sulla stessa linea di mira la mente, gli occhi ed il cuore: è un modo di vivere”. Penso quindi che si possano creare delle ottime immagini se ci si mette anima e contenuto. Con il tempo però impari anche che un’ottima attrezzatura e padronanza tecnica ti danno la possibilità di esprimerti al meglio, senza limiti, attraverso un ventaglio sconfinato di opzioni.
FP: Quanto conta nel tuo lavoro il rapporto con il soggetto? Come lavori di solito sul set? Preferisci la disciplina o un ambiente più rilassato?
ET: Sono un appassionato di umanità, mi intrigano le persone e l’interazione con esse è una delle cose che preferisco di questo lavoro. Mi affascina e mi entusiasma la complicità che si crea con i soggetti: amo scavare dentro di loro, condividere noi stessi sul set anche per poco tempo. Il fotografo, per creare delle immagini intense, deve essere anche un filantropo, uno psicologo. Da un dialogo profondo con un soggetto nasce la fiducia e la disponibilità per mettersi in gioco senza filtri, disarmati, darsi e svelarsi per far nascere delle immagini che vibrino e comunichino emozioni.
Campagna per Borsalino, Emilio Tini (2014)
FP: A volte sembra che tu abbia un rapporto quasi metafisico con gli spazi: crei immagini iconiche e molto grafiche (come per Borsalino) con pochi tagli di luce e colore. Quanto contano la grafica e le sintesi per Emilio Tini?
ET: L’arte concettuale ed il realismo magico, l’uso metafisico degli oggetti e degli spazi mi hanno sempre affascinato. Sono due correnti artistiche che ho scoperto quando ero adolescente. L’arte concettuale e il realismo magico mi hanno svegliato, aperto la testa e il cuore ed io ora cerco di farlo attraverso le fotografie.
L’arte concettuale per un discorso semiotico, l’uso degli gli oggetti desunti dal quotidiano e riproposti con provocazione nella fotografia. Il realismo magico declinato con meno razionalità e più spiritualità emotiva. Penso alle atmosfere di artisti come Antonio Donghi, Felice Casorati, Edward Hopper ma anche a scrittori come Alejandro Jodorowsky e Milan Kundera.
Le foto sono precise, incise, i particolari e lo spazio ben definiti, ricchi di particolari, atemporalità, dettagli sensoriali immobili, bloccati, immersi in una magica sospensione. I soggetti sono raffigurati con realismo ma, grazie all’aggiunta di elementi surreali o paradossali, danno una rappresentazione di sottile mistero, trasmettono un senso d’irrealtà.
Emma Marrone, foto di Emilio Tini (2018)
FP: A quali progetti sei particolarmente legato e quali sono i prossimi?
ET: Sono molto legato alle prime campagne pubblicitarie che ho realizzato. Ero fresco, ingenuo, completamente libero.
Penso alle immagini surreali di Giuliano Fujiwara, designer giapponese, con il quale ho collaborato per 5 anni o agli ADV per Gianfranco Ferrè, in particolare quello con le esplosioni di glitter (zero post-produzione: tutto vero, fatto sul set in tempo reale!) sui corpi dei modelli.
Il prossimo progetto è il progetto della vita! Il mio primo grande progetto fotografico, grande perché mi espongo in prima persona come direttore creativo e fotografo: il mio stile, lo sguardo, la sensibilità, la creatività.
Si chiama ‘Fantastiche Visioni FV’. Esce il 14 Marzo 2019 ed è un progetto artistico e fotografico sui talenti italiani. Verranno presentati attraverso un portale web ed un’edizione cartacea i protagonisti noti e meno noti del made in Italy in una chiave iconografica nuova, fresca, moderna, come non li avete mai visti. Il progetto è diviso in capitoli ed uscirà a partire da quest’anno due volte all’anno. Potete seguirci su www.fantastichevisionifv.com o su Instagram fantastiche_visioni_fv .
Fantastiche Visioni FV, Foto di Emilio Tini
FP: Quali sono, secondo te, gli ingredienti per un’immagine perfetta?
ET: Uno su tutti: il senso del timeless. Un’immagine ben costruita a livello tecnico, compositivo, carica a livello emotivo: un’icona che non diventa vecchia con il passare degli anni.
FP: Grazie per l’intervista e in bocca al lupo per il tuo nuovo progetto 😉
Nei giorni scorsi, assieme al team di FotografiaProfessionale, mi trovavo a Torino per lavorare sulle riprese di un nuovo video-corso con il fotografo Giorgio Cravero 🙂
Allora ho colto la palla al balzo e ho chiamato Martina Romano per parlare del suo intervento al Photography PRO Day: e allora perché non intervistarla? 🙂
Ci siamo sedute in studio e, tra qualche risata e qualche gaffe, abbiamo iniziato a parlare di lei e della sua professione.
Martina Romano
FP: Ciao Martina, intanto grazie per aver accettato l’intervista. Parlaci di te e presentati!
MR: Sono Martina Romano, una ritoccatrice di Torino specializzata in Fashion e Beauty Photography. Ho iniziato circa quattro o cinque anni fa la mia carriera da freelance e lavoro con diversi fotografi: ho iniziato prima su Torino, ma da un po’ collaboro con fotografi da tutta Italia e anche all’estero.
Ultimamente sto uscendo un po’ dai miei schemi e sto allargando il mio lavoro alla Post-produzione Automotive e Still Life: sono dei campi che mi interessa esplorare, soprattutto perché voglio approfondire la post-produzione a 360°.
Da poco tempo, inoltre, sono una docente allo IED di Torino per un corso di Design in cui ovviamente insegno Photoshop; spesso contribuisco come relatrice a Workshop e seminari di altre realtà, infatti sarò presente anche al Photography PRO Day: grazie per l’invito!
Fotografia di Francesco Italia, fotoritocco di Martina Romano
FP: Quando è stata la prima volta in cui ti sei approcciata alla post-produzione?
MR: La prima volta che mi sono approcciata alla post-produzione è stato poco prima dell’università: ho lavorato per due anni come fashion designer per un brand italiano e lì ho imparato ad usare Photoshop e me ne sono innamorata. Non avevo mai utilizzato questo software: lì in azienda dovevo utilizzarlo più che altro per disegnare abiti, quindi più sul design. Per conto mio allora ho iniziato a lavorare sulle fotografie di moda che trovavo in azienda e da lì è stato un colpo di fulmine con la post-produzione.
Pian piano ho capito che non mi interessava tanto la progettazione degli abiti, piuttosto le fotografie degli abiti e la fotografia di moda; allora mi sono iscritta all’università di Firenze laureandomi in Comunicazione Visiva. Poi sono tornata a Torino e ho pensato a come poter far diventare la post-produzione una carriera a tempo pieno. Ho impiegato diversi mesi a realizzare un buon portfolio: per realizzarlo ho chiesto in prestito ad amici e fotografi le loro immagini, su cui ho potuto fare pratica.
Fotografia di Erika Banchio, fotoritocco di Martina Romano
FP: Quanto pensi sia indispensabile costruirsi un buon portfolio?
MR: È fondamentale: nessuno mi ha mai chiesto quale fosse il mio titolo di studio.
Il portfolio è essenziale perché è un biglietto da visita personalizzato, è ciò che fai vedere di te. Bastano poche immagini per costruire un portfolio di qualità: il trucco sta nello scremare i lavori realizzati, anche se inizialmente è difficile. La tendenza è quella di raccogliere più materiale possibile; bisogna studiare ogni singola immagine e pensare se quel lavoro potrebbe colpire l’attenzione del cliente.
Dobbiamo sempre ricordarci che noi parliamo con le immagini e le immagini devono comunicare; ce la si gioca tutta al primo impatto.
FP: Quanto conta la specializzazione per avere successo?
MR: All’inizio è fondamentale specializzarsi. Io ho seguito questa strada: inizialmente ho cercato di comprendere quale fotografia fosse più di mio interesse, allora ho scelto Beauty e Fashion perché erano i campi che mi piacevano di più. Specializzarsi è essenziale per conoscere a fondo il nostro settore e per fare sempre meglio il nostro lavoro.
Nel mio caso, ora che mi sento di conoscere completamente la post-produzione in campo Beauty e Fashion, ho deciso di allargare i miei confini. Il mio obiettivo è quello di fare post-produzione a 360° per trovare sempre nuovi stimoli.
Fotografia di Letizia Toscano, fotoritocco di Martina Romano
FP: Come vedi il rapporto tra fotografia e post-produzione?
MR: Secondo me sono sorelle: sono nate insieme ed hanno un rapporto molto stretto. Sento spesso accusare la post-produzione di essere l’ultima arrivata che vuole stravolgere il mondo della fotografia, ma non è così: la post-produzione è vecchia tanto quanto la fotografia, perché nata in camera oscura con lo sviluppo dell’immagine.
Io vedo il fotoritocco in due modi: c’è quello affine alla fotografia, cioè come seconda fase di un processo unico; in quel caso se non c’è fotografia, non c’è post-produzione. Poi c’è la post-produzione che, personalmente, definisco più spinta: si tratta di una post che ti permette di creare un’immagine da zero. Anche questa è post, ma è svincolata dalla fotografia. Qui non si parla più di fotografia, ma di creazione di una nuova immagine.
FP: Che consigli daresti a chi vuole fare il ritoccatore oggi?
MR: Come detto prima, bisogna assolutamente costruirsi un valido portfolio: quando ho iniziato io ricordo che non avevo le idee ben chiare e nessuno mi aveva detto che potevo fare della post-produzione la mia professione; io la vedevo più come un divertirmi su Photoshop e non pensavo che potesse davvero essere un lavoro. Ho voluto provarci e mi sono applicata per mesi a creare un valido portfolio e un sito.
Pronto tutto il necessario, ho iniziato ad inviare il materiale ai fotografi torinesi: alcuni mi hanno risposto subito e ho fatto per loro dei test. Da quei contatti sono nate diverse collaborazioni.
Bisogna essere autocritici ed osservare il lavoro degli altri, facendo molta selezione: oggi con i social siamo bombardati da immagini e la post-produzione è ovunque. Bisogna distinguere la post-produzione mediocre da quella di alto livello: è essenziale fornirsi un’adeguata cultura dell’immagine.
Oggi tantissimi vogliono fare i ritoccatori, ma occorre la giusta formazione: quando ho iniziato io, non ho trovato corsi di formazione adatti alle mie esigenze. Poi ho scoperto qualche mese fa la vostra Accademia di PostProduzione: è proprio quello che avrei voluto fare!
Fotografia di Ugo Ricciardi, fotoritocco di Martina Romano
FP: Molti ritoccatori ascoltano musica lavorando. Tu che musica ascolti mentre lavori? Hai mai provato con gli audiolibri?
MR: Ho provato con gli audiolibri soprattutto durante i lavori più ripetitivi come possono essere i cataloghi, ma non ci sono mai riuscita. Ascolto sempre la musica: il mio artista preferito è Jhonny Cash ma mi piace anche il Country, il Blues, il Jazz, il Rock n’ Roll.
Ho iniziato anche a prendere lezioni di canto, così posso cantare mentre post-produco… Per la gioia dei miei vicini!
FP: C’è qualcosa che vorresti dirmi che non ti ho chiesto?
MR: Beh che ho iniziato a prendere lezioni di canto non me l’hai chiesto… Ti inviterò alla mia prossima Jam Session 😀
Sono molto contenta di essere stata contattata per il Photography PRO Day 2019 e non vedo l’ora di poter condividere con voi le mie tecniche e le mie strategie: parlerò proprio di comegestire il marketing da freelance, quindi come trovare clienti e come porsi con le figure professionali con cui si collabora.
FP: Grazie per questa intervista, ci vediamo presto!
MR: Grazie a voi, ci vediamo il 23 Marzo a Reggio Emilia 😉
In queste ultime settimane ero molto indecisa su chi focalizzarmi nel prossimo articolo dedicato alla Storia della Fotografia.
Poi, proprio presentandoti le mostre del mese, ho avuto l’illuminazione: chi se non Sebastião Salgado, soprattutto adesso che è in mostra a Reggio Emilia? 🙂
Ho saputo della sua mostra per caso, scorrendo tra le notizie locali. È stata una fantastica scoperta perché da qualche mese ammiro i suoi scatti e, più li guardo, più me ne innamoro (sì, l’ho conosciuto un po’ tardi). Finalmente potrò vederli dal vivo 🙂
Quando guardi una fotografia non c’è solo bellezza nella composizione, nei colori e nei soggetti: ogni scatto ha una storia tutta sua, qualcosa che il fotografo ha voluto raccontare a noi per “aprirci gli occhi”, per farci scoprire un mondo che va oltre le nostre abitudini e conoscenze.
Ed è proprio questa che fa Salgado con la sua fotografia 🙂
Ritratto di Sebastião Salgado
Salgado, classe 1944, è di origini brasiliane e nasce prima come economista per diventare successivamente fotografo. Fu attraverso una delle sue prime esperienze lavorative che decise di rendere la fotografia il suo progetto di vita ed il suo lavoro ideale.
Durante il suo lavoro per l’Organizzazione Mondiale del Caffè, Salgado conosce la vera Africa: lo scopo dei suoi viaggi lavorativi era testimoniare i problemi del terzo mondo per trovare soluzioni adatte ed il mezzo con il quale raccoglie le sue memorie non è che la macchina fotografica. Fu quello il punto di svolta della vita lavorativa di Salgado: dopo essersi dimesso, egli iniziò un viaggio lungo tre anni per immortalare l’Africa attraverso il suo obiettivo fotografico.
L'Africa di Salgado
“Non sono spinto dall’idea di fare foto belle o di diventare famoso ma da un senso di responsabilità : io scrivo con la macchina fotografica, è la lingua che ho scelto per esprimermi e la fotografia è tutta la mia vita”
Inoltre, per ben venticinque anni, ha immortalato istanti crudeli dei più grandi conflitti mondiali, tra cui quello del genocidio in Ruanda.
Fu proprio quest’ultima esperienza ad aprirgli gli occhi: vivere quell’avvenimento da testimone fece perdere a Salgado la fiducia nell’uomo e nel mondo e lo sconvolse tanto da risentirne anche in salute.
Toccato dall’esperienza di guerra, accantona per un po’ la fotografia per tornare in Brasile: lì, prendendosi cura delle terre di proprietà familiare, si accorse che per lui la fotografia era essenziale. L’esperienza vera e pura a contatto con la natura gli dà, così, ispirazione per un nuovo progetto fotografico che chiamerà “Genesis”: l’obiettivo è quello di rappresentare animali e paesaggi non ancora contaminati dal progresso umano, dando vita a delle immagini in grado di evocare la bellezza e la potenza della natura.
Genesi, il progetto di Salgado
Non è lo scoop l’interesse di Salgado, tanto meno le notizie viste e riviste: attraverso il suo obiettivo l’artista brasiliano ci permette di andare oltre le credenze superficiali, per farci conoscere condizioni di vita veramente difficili.
Salgado, oltre che un grande fotografo contemporaneo, mi piace definirlo un testimone del nostro tempo; i suoi scatti fermano il tempo e rivelano quello che non siamo in grado di vedere: miseria, fame, abitudini culturali ma anche allegria, amore per la vita e per la natura che ci circonda.
Ogni persona, ogni luogo ed ogni cultura nascondono un segreto: Sebastião Salgado vuole scoprirlo e allora, a modo suo, lo ritrae e lo studia a fondo superando la semplicità ed attribuendo, ad ogni suo soggetto, una molteplicità di significati.
Dall’alto dei suoi 75 anni, oggi è sicuramente uno dei fotografi contemporanei più conosciuti del mondo 🙂
“Se le mie fotografie arrivano ad essere esposte in un museo vuol dire che hanno anche un valore estetico che le contraddistingue, ma non voglio assolutamente che queste siano lette come delle opere d’arte. Infatti, non nascono per essere oggetto d’arte, ma come un insieme di immagini per informare, per provocare discussioni, dibattiti”
Al prossimo appuntamento dedicato alla Storia della Fotografia 🙂
Anno nuovo, vita nuova. Così si è soliti dire 🙂 Ma il format di FotografiaProfessionale tutto dedicato alla Storia della Fotografia rimane: questa volta parliamo del fotografo statunitense Elliott Erwitt 🙂
I suoi scatti, per ancora poco tempo, sono in mostra fino al 27 Gennaio al Castello Visconteo di Pavia: si tratta di settanta scatti che ti permetteranno di ripercorrere la storia del costume del Novecento attraverso l’ironia e la spontaneità che hanno sempre contraddistinto Erwitt.
Autoritratto di Elliott Erwitt, New York (2009)
Il suo vero nome è Elio Romano Erwitz ed è nato il 26 Luglio del 1928 a Parigi da genitori ebrei di origine russa. Per dieci anni, Elio ha vissuto in Italia ma nel 1939 la sua famiglia fu costretta a fuggire in America a causa delle persecuzioni fasciste.
Negli anni successivi studiò Fotografia e Cinema e vantò un’esperienzaalquanto insolita: seguì come assistente fotografo l’esercito americano in Francia ed in Germania. Un modo tutto particolare di vivere sulla propria pelle gli anni della guerra 🙂
Anche in situazioni di guerra, dove prevalevano le armi, Erwitt donava ai suoi scatti un aspetto buffo ed ironico, tralasciando la tristezza ed il dolore che si provava a vivere eventi così difficili.
Elliott Erwitt, Fort Dix, New Jersey (USA), 1951
Negli anni, Elio ebbe modo di incontrare fotografi di grande fama come Robert Capa e Roy Stryker, che lo assunse per collaborare con lui ad un progetto fotografico; successivamente, ormai affermatosi come fotografo freelance, iniziò a collaborare con numerose riviste statunitensi e aziende tra cui compagnie aeree come l’Air France e KLM ✈️
“La fotografia è tutta qui: far vedere ad un’altra persona quel che non può vedere perché è lontana, o distratta, mentre tu sei stato fortunato e hai visto.”
Nel 1953 ci fu una svolta: Erwitt fu congedato dall’esercito e, sotto consiglio di Capa, entrò nella prestigiosa agenzia Magnum Photos che gli assegnò vari progetti fotografici in giro per il mondo; questo permise al fotografo di acquisire una grande visibilità. Ancora oggi, ormai novantenne, Elliott fa parte dell’agenzia che lo riconosce come uno dei massimi esponenti nel mercato della fotografia.
Negli anni Settanta egli si dedicò anche alla sua passione per il cinema: nel 1970 fu operatore addetto alla camera di “Gimme Shelter” e realizzò “Arthur Penn: the Director”, cui fecero seguito “Beauty Knows No Pain” e “Red, White and Bluegrass”. In svariate occasioni, inoltre, fu accreditato come fotografo sui set cinematografici 🎥
Nei suoi sessant’anni e più di carriera ha avuto modo di raccontare la storia contemporanea attraverso il suo obiettivo fotografico e ha avuto occasione di fotografare grandi star come l’attrice Marylin Monroe, Jackie Kennedy al funerale del marito, il rinomato incontro di pugilato tra Muhammad Alì e Joe Frazier e persino Che Guevara!
Il suo segreto?
Saper cogliere l’attimo giusto 🙂
Alcuni dei migliori scatti di Elliott Erwitt
E l’attimo giusto l’ha saputo cogliere anche con il celebre scatto del confronto fra Nixon e Kruscev, che ha fatto il giro del mondo ed Elliott lo racconta così:
Nixon e Kruscev, Elliott Erwitt
“Ero a Mosca per fotografare frigoriferi ad una fiera di prodotti americani. Lì vidi Nixon puntare il dito contro Kruscev, si misero a discutere proprio davanti a me. Io mi preoccupavo solo di trovare una buona inquadratura. Nixon, invece, utilizzò il mio scatto per la sua campagna elettorale: per fortuna quella volta non vinse. Ecco quella foto ha mosso qualcosa, ma io non c’entro.”
La fotografia di Elliott Erwitt non è frutto della progettazione, è una fotografia spontanea e che va oltre la volontà dell’artista, in grado di cogliere anche buffi giochi di prospettiva: fotografare come lui, di certo, non è una cosa da tutti 🙂
Ottenere scatti come i suoi è frutto di istinto, di fortuna e di un occhio che sa cogliere l’attimo: il tempo è vano, scorre veloce… Eppure Erwitt è in grado di fermarlo ed immortalare istanti inaspettati per renderli visibili a chi, per sfortuna o per distrazione, non ha goduto del suo stesso momento.
Non c’è interesse per il paesaggio nella sua fotografia, che racconta una commedia umana a cui prendono parte uomini e animali: in particolare, Erwitt è sempre stato appassionato di cani e a loro ha dedicato ben quattro diversi libri, oltre che innumerevoli scatti 🐶
I cani di Elliott Erwitt
Nonostante i suoi anni, ancora oggi si dedica con passione e dedizione ad un’arte meravigliosa come la fotografia 🙂
Hai già visitato la sua mostra a Pavia?
Qual è l’aspetto che ti piace di più della fotografia di Erwitt? 🙂
“Di me dicono che sono un’umorista: la cosa più difficile e utile del mondo è far ridere la gente.”
